A CONVERSATION WITH

Yoshiyuki Miura

(Click here for Japanese Version)

You have lived in Germany since 1989. Many of the people who see your work think that it is a purely oriental work, when formally it is much closer to European and American art…

– It’s probably a mixed affair. Europeans inevitably tend to regard my work as Japanese, and when I return to Japan, they often think i am not very Japanese. I suppose those influences are layered on top of each other.

On the other hand, you have stayed in Munich and have not returned to Japan. Is there a reason?

– The reason why I never returned to Japan is that Germany has a better understanding of my art, and it’s easier to make a living off it.

In your work, the illusion and the visual perception of the viewer are crucial to constructively imagine the ways in which you work… I think that you have referred, on occasion, to your devotion to the Venezuelan artist Jesús Rafael Soto and other kinetic artists …

– I didn’t know he even existed for a very long time because I try to avoid paying too much attention to what other artists are doing. I heard about him from others. There are always three people in the world with the same face…But I am sure there was an influence, as we live in the same time. In a broader sense, what we share is that we, as human beings, all form part of a continuous cycle in which it’s only possible to go forward… Life is like a river, so there must be an influence or maybe a crossroad where we met. Maybe I will cross that crossroad and surpass it.

When presenting your work, the words “light,“ „lightness,“ and „immaterial appearance“ frequently emerge, but how do you see it? What are you looking for with your work?

– These are good words to describe my work on the surface. The second part of the question is a really good one. I think about it all the time, I am always searching. I can only give you a partial answer, and it has to do with time, or rather, with timelessness. I am looking for forms of expression that enchant and speak to people long after they have contemplated them. I want to create works that can survive the passage of time, far from fashions and trends.

In addition to purely geometric sculptures, other creations that we can call organic (such as Oscillation of Space or Waterfall) coexist in your work… Are they different faces of the same work, of the same creation, or do you also understand them as something different?

– They all go through the same person—me—so they can be seen as different faces of the same work. I try to let myself flow „naturally“ and straightforwardly. You see things, you live a life, you get inspired by all sorts of things, and I try to stay open to that. Sometimes I want to do one thing, and the next time another; sometimes I get bored, so I change what I do. That’s how the different faces emerge.

In the CAB, three different works are presented together for the first time. Why haven’t you done it before?

– This was the first chance to do so because of the architecture of the CAB. But also because the time was right. I wanted to examine those pieces together now, as a test. I wanted to figure out if they still work or not. I wanted to experience the sense of timelessness, and for that, time had to pass. This was a very interesting experience for me, and I’ve learned a lot.

Have you ever talked about the importance of the space in which you are going to install your work…

– The space is always a very crucial aspect, maybe the most important one. I examined many different spaces in my projects for Kunst am Bau (art in public spaces), but wherever I go really, I think a lot about architecture. Therfore, I have a lot of practice in that. Whenever I enter a new and unknown space, I instantly start thinking what might be good for it. It’s good fun. When I first saw the floor plan of CAB, I knew right away that I must relate to the three-fold architecture, and when I entered the CAB, my feeling was confirmed. I always work space-oriented, so I can’t tell what I would do differently or change if it were installed elsewhere. It depends entirely on the architecture and the space.

You have also commented that in your work the material is fundamental and that what you do is to allow the material to be expressed. Somehow you extract plastic possibilities from the material … What you are pointing out is clearer in a work like Waterfall, in which steel builds a perfect shape, a vault with a curvature almost impossible to replicate mathematically… How do you work them, how do you research with them, how do you test them…?

– Rather than research, I pay attention to chance, take it, and push it further. It is like this when I am working, when I find myself in the middle of a project, and also in everyday life. For example, when I was pouring silicone for a completely different purpose, I saw that this had potential, so I made the Liquid Columns. Or, when I was carrying these long stainless steel wires that were meant for something else, I saw their bending qualities and developed Waterfall and Wave. I extract plastic possibilities by keeping an attentive eye. For most people, these situations are too ordinary for their attention, but I find interesting things in normal situations because I am looking and longing for them.

Do you do any preliminary digital construction? Do you prepare the material layout with a computer program? In a work like Yellow Pyramid, in which the precision must be absolute, how do you build it physically?

– I don’t use digital tools for my art. Everything is calculated, measured, systematized, and executed manually. It is pure craftsmanship. These days, of course, I also use 3D programs made by architects for the Kunst am Bau contests, but only to visualize the works in the spaces they are going to be installed in. They are excellent tools, and they get close to reality, but that is all I use digital tools for.

In the CAB, in addition to the three main pieces, you made a beautiful gift in one of the rooms when recreating your Spoons work from 1991. In the CAB room, it works as a type of offering, as if it were oil lamps shining in a sacred enclosure… But for you, the spoons, I think, have another meaning…

– Well, yes, they have a different meaning for me. Perhaps even the opposite… Cutlery represents a human tool. We use them to feed ourselves. The act of eating carries with it destruction. It is the destruction of one thing and the creation or maintenance of another, taking versus giving. But in the first place for me, spoons are a symbol of humans taking away, taking out and taking from… so I use them more in the sense of an aggressive tool with a beautiful shape. In the past, there have been ideas to install spoons like we can see them now in CAB, except in front of a cathedral, and forks stabbed into trees in a forest. The projects were never realized, but it is funny that you mention the word „offering.“

During the assembly process, beautiful and demanding alike, we have seen that perfection, order, and rigor in your work are essential. That is perhaps why we were overwhelmed by the plastic result of a work like Oscillation of Space, in which that order is capable of creating a multiple and random surface. In Oscillation of Space, light bouncing off the stones creates a changing surface that’s also transported to the walls…

– What you describe above is pure coincidence. When I create an artwork, I can’t plan everything, even if I tried. On top of calculation, there is coincidence. Sometimes the art I make goes beyond me and becomes much better than I could have imagined. Chaos, chance, and coincidence perfect it.

Almost inevitably, one imagines that for the realization of these works, you are surrounded by music and literature… In particular, Waterfall is a piece that contains sound itself, which is transformed by shaking and being run through the hands…

– Yes, I receive this feedback quite often, especially from musicians. I can’t hear it, but they do, especially in Wave, Waterfall and Oscillation of Space. They call it „stone music.“ I see the rhythm, that’s maybe what they hear. So I guess there would be a place for musical interpretation. It is also important to me that my works can be described as poetic in a metaphorical sense. It has to be. But you have gotten to know me well, and so you know that my poetry is not in language and speech (-laughs-), I try to express it in my work.

Do you relate to other artistic disciplines for your work? I say it because Waterfall can almost be understood as a great sculptural drawing: elegant, with precise lines and harmonious lines next to each other, very much in line with some of the current practices in drawing…

– No, I don’t experiment with other disciplines like video, painting, photography, etc.

The public that has visited your work at the CAB has always been very surprised and intrigued. They almost unanimously confessed that they felt transformed by the contemplation of the work, submerged in it. Their experience went far beyond a sculptural contemplation, and they felt it was much closer to a spiritual revelation.

– That is what I’d like the public to feel. What I want to give is a gift, a good feeling, love, or even a spiritual revelation – no matter which.

 

Javier Del Campo, Art Director of CAB

三浦吉幸との対話

 

 

あなたは1989年からドイツに住んで居ますね。あなたの作品を観る多くに人々は、それらは純粋に東洋的な仕事であるという思いに駆られますが、形式的にはアメリカやヨーロッパのアートに非常に近いものですよね。

そこにはおそらく様々な事情があります。西洋の人々は必然的に日本人である私の仕事をそう思うでしょうし、日本に帰れば、大抵の人々は私がそれほど典型的な日本人ではないと思うでしょう。私が思うに、そういう影響は重なり合っているものではないでしょうか。

 

一方で、あなたはミュンヘンに留まり、日本へは帰りませんでした。理由はありますか？

私が日本へ戻らなかった理由は、ドイツの方が私の作品を理解してもらえたからで、生活していくことが（日本よりは）容易だったからです。

 

あなたの仕事について書かれた幾つかのテキストを読んだのですが、1990年以来、発表した一連の作品、特に５つのタイプの作品を、あなたは数多くのバリエーションで何度も制作し続けているということですが。

それは（その解説は）度々繰り返されてきた間違いで、そういうことではありません。それはギャラリーのオーナーの誤解ですが、私としては、それについて何かしら重要視はしていません。

 

あなたの仕事の場合、それを構造的にイメージする上で、観る側のイリュージョンまたはビジュアルな認識は非常に重要なことですね・・、それはあなたの、ベネズエラのJesús Rafael Sotoやその他のキネティックアーティストへの傾倒が明らかに示していることだと思いますが・・。

かなり長い間、私は彼の存在を知りませんでした。というのも、私はどちらかというと、他のアーティストが何をしているかという事をたくさん見るのを好みません。彼（Jesús Rafael Soto）については他の人が話してくれたのです。
世界中には常に３人の同じ顔を持った人間が居るとも言いますし・・

しかし、（彼と）同じ時代に生きていることが、ある種の影響をもたらした事は確信できます。

さらにもっと広い意味で、私たちが共有していることは、私たち人類が全て、常に周り続けるしかない輪の一部であるということを意味し・・、生きていることは川のようなものですから、したがってお互いに影響することがあり、もしくは巡り合いの岐路が存在するということではないでしょうか。多分その様な交差地点を超えて、私は新たにそれを展開して行くのだと思います。

 

光や、明るさ、また無形的な現象は、あなたの作品が紹介される際、繰り返し使われている言葉だと思いますが、実際のところあなた自身はどう見ていらっしゃいますか？　作品を通して何を探り出そうとされているのでしょうか？

それらは、表面的に私の作品を説明する上で、適切な言葉だと思います。2つ目は本当に良い質問です。なぜかと言うと私自身が常に考えている事だからです。私は未だ探り続けています。部分的な答えしかありません。それは「時間
、もしくはもっと「永遠
に関わることなのです。人々が私の作品をじっくり観た後でもなおかつ彼らを魅了し、訴えかけることが出来るような形の表現を探しています。私は、流行や動向から遠く離れて、時間の流れの中で生き延びることができるような作品を作りたいのです。

 

あなたの作品についてあまり語られることのない一面があって、私にはそれがとても興味深く思えるのですが：対象を持たず、光や色、焦点を合わせて凝視されることで存在する彫刻の構造は、（もちろん）あなたの作品にとって大変重要な意味を持っています。私は（敢えてここで）主にゲオメトリックな作品（球体とピラミッド）の事を言いたいのですが・・。また、純粋にゲオメトリックな作品に加えて、あなたの仕事には、有機的とも言える全く異なった作品（「Ocillation of Space
、または「Waterfall
）が同時に存在しています。

それらは全て一人の人間から生まれてきたものです、要するに「私」という人間です。ですから、それらは様々な顔を持った一つの作品とも見ることが出来るのです。私は自分自身に対し「自然」に、率直に従うように心がけています。あなたは何かを見て、そしてあなたの人生を生きています。あらゆるすべてのものからインスピレーションを得ていて、私としては常にそれに対して心を開いているようにしておきたいのです。ある時期は一つのことを作り続けたいと思うし、その次は何か別のこと、またある時期はそれに飽きてまた他のものに変える。そういうわけで様々な顔が現れるということです。

 

C A Bの展覧会では、３つの異なる作品を初めて同時に展示していますね・・。

C A Bの建築構造がそれに適していたので、初めて出来たチャンスでした。しかし時期的にもちょうど良いタイミングでした。私は、それを実験として同時に見せることについて考えたかったのです。それらが現在進行形で機能しているかどうか探り出したかったのです。時間を超越しているという気持ちを経験したかったので、そのためには充分に時が経ってからでなければなりませんでした。これは私にとって大変興味深い経験でした。多くのことを学んだと思います。

 

作品をインスターレーションしたいと思う空間の重要性についてあなたは事前に話しをしていたのですか？

空間は常に大変に重要な要素です。おそらく最も重要です。私は、「Kunst im Bau」のプロジェクトのために本当に様々な空間について考察してきましたが、どこであろうと実際に出かけて行きます。建築については始終考えています。ですから実践的経験は豊富にあります。常に初めて訪れる場所は未知の空間で、私は即座に、その場に何が適しているかという思考を回らし始めます。これは大変面白い。私が初めてC A Bの間取り図を見た時、三重構造の建築を考慮する必要がある事を直感しました。そしてC A Bを訪れてそれを確信しました。私は常に空間に適応して仕事をします。ですからどこか他の場所でインスタレーションした作品を、どのように異なって行うか、どのような変更があるかということを（前もって）言葉で伝えることはできません。それは建築と空間に完全に作用されるものなのです。

 

あなたはさらに、あなたの作品の基本はその素材にあるとコメントしていますね。仕事とは、その素材に自己の表現を与えることだと。素材そのものからなんとかして彫刻としての可能性を引き出そうとしているということですね・・。この指摘については、スチールが完璧な形状を成している「Waterfall」のような作品に見られる通りはっきりしています。湾曲線で作られるカーブを数学的に再現することは殆ど不可能だと思いますが、どうやってあのような仕事は行われたのですか？またどんな下調べをされて、どのようにしてそれを試されたのでしょうか？

下調べというよりは、むしろチャンスを狙い、それをつかんでさらに押し進めます。それは、仕事の最中でも、何かのプロジェクトに専念している時でも、また日常の生活の中でも起こります。例えば、全く別の目的でシリコンオイルを注いでいる最中に、それが何か別の可能性を秘めているのに気づき、「Liquid Column」という作品を作りました。また、例えば、長いステンレススチールのワイヤーを運んでいる時、それは何か他のことを暗示していると気がつきました。それらがたわむ性質を発見し、「Waterfall」や「 Wave」という作品に発展していきました。私は注意深い観察を通して、彫刻としての可能性を引き出しています。殆どの人々にとってはありふれた当たり前の状況でも、物を見て、物の中に何かを探している私にとっては、それが全て興味深い対象になるということです。

 

あなたは何らかのデジタルを使って構造図面を描く事がありますか？コンピュータープログラムを使って、マテリアルのレイアウトを作るようなことをするのですか？例えば絶対的に精密な正確さを必要とされるような「Yewllow Pyramid」の仕事のように。実際物理的にはどのように構築されるのですか？

私のアートにおいてデジタルツールは一切使用していません。全て計算し、測定し、手作業で制作します。純粋なハンドワークです。最近ではもちろん「Kunst am Bau」のコンテストなどには、建築家用の３Dのコンピュータプログラムを使ったりもしますが、それは建物のなかに設置される状態をビジュアル化するためにだけです。それは優秀なプログラムで、大変現実に近く見せてくれます。しかし、デジタルツールを使用するのはその時だけです。

 

C A Bの展覧会では、３つのメインの作品に加えて、小さなスペースに1991年のスプーンの作品を再現していますが、あれまるで聖なる場所に輝くオイルランプのようです。でもあなたにとってあのスプーンは別の意味を持っているのでしょうね？

まぁ、そうですね。私にとってはいろいろな意味を持っています。カトラリーが人間の使う道具を代表しているという点で、おそらく、どちらかというと（あなたの仰ることとは）反対の意味を持っているかもしれません。私たちは自分自身に食べ物を与えるためにそれらを使います。食べると言う行為は一種の破壊を伴います。それは、あるものを破壊し、別のものを再生したり、もしくはそれを維持したりします。対比的に「取る」と「与える」を意味しています。しかし私がここで最も重点を置いているのは、スプーンというものが人間にとって「持ち帰ること」、「取り去ること」、「何かから取ること」のシンボルだということです。ですから私はそれらを美しいシェープを持つ非常に「積極的な」物体として作品に使用しています。C A Bにインスタレーションされている現在の作品は、過去にやったことがあるもので、カテドラルの前ではありませんが、森の中で、木にフォークを刺して造る作品のアイデアもありました。でも、あなたが仰ったこと（スプーンの作品についての印象）は面白いですね。

 

美しく、また同時に非常に手のかかる組み立て作業の過程で、私たちは、秩序と厳密さがあなたの仕事には絶対的に必要であると理解できました。おそらく、それがその理由だと思うのですが・・「Ocillation of Space
のように、「秩序」というものが、多様で無作為な表面の物体をひとつの創造的なものに変化させることが出来るという可能性に、私たちは圧倒されました。「Ocillation of Space
では、石から跳ね返る光がその表面を変貌させ、壁にも映し出されています・・。

あなたの言い表されたことは、全くの偶然で成り立っていることです。私が作品を作る時、それらは全て計画することができます。しかし、その計画の頂点に立っているのは、「偶然」というものです。私が創造する作品は、時に私というもの乗り越えて存在し、私がイメージしていたもの以上に素晴らしいものを作り出してくれます。「混沌」や「変化」、「偶然」というものが作品を完璧にしてくれるのです。

 

ほぼ必然的に、これらの作品を実現するためにあなたは音楽や文学に囲まれていると想像するのですが・・特に「Waterfall」は、揺らせたり、手で撫でたりすることによって音が作られ、作品そのものに音楽が含まれているもののひとつですね。

そうです。その感想はよく言われました。特に音楽家の方から。私には聞こえませんが、彼らには聞こえます。特に「 Wave」や「Waterfall」、「Ocillation of Space」といった作品からです。彼らは「ストーン・ミュージック」と呼んでいます。私には、おそらく彼らが聞いていると思われるリズムがわかります。音楽的な演出の場になることも可能だと思います。私の作品が、隠喩という意味で、詩のように感受性豊かに解釈されることは、私にとって大変重要なことです。そうでなければならないのです。しかしもちろんのこと、あなたは私のことを既によくご存じですから、私の詩は言葉でも語りでもなく（笑い）、それは私の作品を通して表現されるということもお分かりになっていると思います。

 

あなたは、何か他の芸術的な方法をあなたの作品に関連づけたりしますか？　つまり、私がこう言う訳は、「Waterfall」の作品が、殆ど彫刻的素描と言っても良いほど、エレガントで、精密な、隣同士調和する線を持ち、それは現代の素描画における幾つかの技法がもたらす線と非常に一致しているからです。

いいえ。私は他の技法、ビデオや絵画、写真などを使って実験的な試みをしたことはありません。

 

CABであなたの作品を訪れた一般の人々は、常に驚き、興味をそそられていました。彼らはほぼ満場一致で、作品を凝視することによって起こる変容を感じ、その中に没頭してしまったと自認していました。彼らの経験したことは、作品を凝視するという行為を遥かに超え、それは精神的なレベルで起こる素晴らしい体験（啓示的な体験）に近いものだと感じていました。

それがまさに、私が観る人々に感じて欲しいことなのです。私が伝えたいのは、贈り物であり、グッド・フィーリング（良い気持ち）であり、愛、もしくは精神的なレベルで起こる素晴らしい体験なのです。そのどれでも構いません。