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    Yoshiyuki Miura

    (Click here for Japanese Version)

    You have lived in Germany since 1989. Many of the people who see your work think that it is a purely oriental work, when formally it is much closer to European and American art…

    – It’s probably a mixed affair. Europeans inevitably tend to regard my work as Japanese, and when I return to Japan, they often think i am not very Japanese. I suppose those influences are layered on top of each other.

    On the other hand, you have stayed in Munich and have not returned to Japan. Is there a reason?

    – The reason why I never returned to Japan is that Germany has a better understanding of my art, and it’s easier to make a living off it.

    In your work, the illusion and the visual perception of the viewer are crucial to constructively imagine the ways in which you work… I think that you have referred, on occasion, to your devotion to the Venezuelan artist Jesús Rafael Soto and other kinetic artists …

    – I didn’t know he even existed for a very long time because I try to avoid paying too much attention to what other artists are doing. I heard about him from others. There are always three people in the world with the same face…But I am sure there was an influence, as we live in the same time. In a broader sense, what we share is that we, as human beings, all form part of a continuous cycle in which it’s only possible to go forward… Life is like a river, so there must be an influence or maybe a crossroad where we met. Maybe I will cross that crossroad and surpass it.

    When presenting your work, the words “light,“ „lightness,“ and „immaterial appearance“ frequently emerge, but how do you see it? What are you looking for with your work?

    – These are good words to describe my work on the surface. The second part of the question is a really good one. I think about it all the time, I am always searching. I can only give you a partial answer, and it has to do with time, or rather, with timelessness. I am looking for forms of expression that enchant and speak to people long after they have contemplated them. I want to create works that can survive the passage of time, far from fashions and trends.

    In addition to purely geometric sculptures, other creations that we can call organic (such as Oscillation of Space or Waterfall) coexist in your work… Are they different faces of the same work, of the same creation, or do you also understand them as something different?

    – They all go through the same person—me—so they can be seen as different faces of the same work. I try to let myself flow „naturally“ and straightforwardly. You see things, you live a life, you get inspired by all sorts of things, and I try to stay open to that. Sometimes I want to do one thing, and the next time another; sometimes I get bored, so I change what I do. That’s how the different faces emerge.

    In the CAB, three different works are presented together for the first time. Why haven’t you done it before?

    – This was the first chance to do so because of the architecture of the CAB. But also because the time was right. I wanted to examine those pieces together now, as a test. I wanted to figure out if they still work or not. I wanted to experience the sense of timelessness, and for that, time had to pass. This was a very interesting experience for me, and I’ve learned a lot.

    Have you ever talked about the importance of the space in which you are going to install your work…

    – The space is always a very crucial aspect, maybe the most important one. I examined many different spaces in my projects for Kunst am Bau (art in public spaces), but wherever I go really, I think a lot about architecture. Therfore, I have a lot of practice in that. Whenever I enter a new and unknown space, I instantly start thinking what might be good for it. It’s good fun. When I first saw the floor plan of CAB, I knew right away that I must relate to the three-fold architecture, and when I entered the CAB, my feeling was confirmed. I always work space-oriented, so I can’t tell what I would do differently or change if it were installed elsewhere. It depends entirely on the architecture and the space.

    You have also commented that in your work the material is fundamental and that what you do is to allow the material to be expressed. Somehow you extract plastic possibilities from the material … What you are pointing out is clearer in a work like Waterfall, in which steel builds a perfect shape, a vault with a curvature almost impossible to replicate mathematically… How do you work them, how do you research with them, how do you test them…?

    – Rather than research, I pay attention to chance, take it, and push it further. It is like this when I am working, when I find myself in the middle of a project, and also in everyday life. For example, when I was pouring silicone for a completely different purpose, I saw that this had potential, so I made the Liquid Columns. Or, when I was carrying these long stainless steel wires that were meant for something else, I saw their bending qualities and developed Waterfall and Wave. I extract plastic possibilities by keeping an attentive eye. For most people, these situations are too ordinary for their attention, but I find interesting things in normal situations because I am looking and longing for them.

    Do you do any preliminary digital construction? Do you prepare the material layout with a computer program? In a work like Yellow Pyramid, in which the precision must be absolute, how do you build it physically?

    – I don’t use digital tools for my art. Everything is calculated, measured, systematized, and executed manually. It is pure craftsmanship. These days, of course, I also use 3D programs made by architects for the Kunst am Bau contests, but only to visualize the works in the spaces they are going to be installed in. They are excellent tools, and they get close to reality, but that is all I use digital tools for.

    In the CAB, in addition to the three main pieces, you made a beautiful gift in one of the rooms when recreating your Spoons work from 1991. In the CAB room, it works as a type of offering, as if it were oil lamps shining in a sacred enclosure… But for you, the spoons, I think, have another meaning…

    – Well, yes, they have a different meaning for me. Perhaps even the opposite… Cutlery represents a human tool. We use them to feed ourselves. The act of eating carries with it destruction. It is the destruction of one thing and the creation or maintenance of another, taking versus giving. But in the first place for me, spoons are a symbol of humans taking away, taking out and taking from… so I use them more in the sense of an aggressive tool with a beautiful shape. In the past, there have been ideas to install spoons like we can see them now in CAB, except in front of a cathedral, and forks stabbed into trees in a forest. The projects were never realized, but it is funny that you mention the word „offering.“

    During the assembly process, beautiful and demanding alike, we have seen that perfection, order, and rigor in your work are essential. That is perhaps why we were overwhelmed by the plastic result of a work like Oscillation of Space, in which that order is capable of creating a multiple and random surface. In Oscillation of Space, light bouncing off the stones creates a changing surface that’s also transported to the walls…

    – What you describe above is pure coincidence. When I create an artwork, I can’t plan everything, even if I tried. On top of calculation, there is coincidence. Sometimes the art I make goes beyond me and becomes much better than I could have imagined. Chaos, chance, and coincidence perfect it.

    Almost inevitably, one imagines that for the realization of these works, you are surrounded by music and literature… In particular, Waterfall is a piece that contains sound itself, which is transformed by shaking and being run through the hands…

    – Yes, I receive this feedback quite often, especially from musicians. I can’t hear it, but they do, especially in Wave, Waterfall and Oscillation of Space. They call it „stone music.“ I see the rhythm, that’s maybe what they hear. So I guess there would be a place for musical interpretation. It is also important to me that my works can be described as poetic in a metaphorical sense. It has to be. But you have gotten to know me well, and so you know that my poetry is not in language and speech (-laughs-), I try to express it in my work.

    Do you relate to other artistic disciplines for your work? I say it because Waterfall can almost be understood as a great sculptural drawing: elegant, with precise lines and harmonious lines next to each other, very much in line with some of the current practices in drawing…

    – No, I don’t experiment with other disciplines like video, painting, photography, etc.

    The public that has visited your work at the CAB has always been very surprised and intrigued. They almost unanimously confessed that they felt transformed by the contemplation of the work, submerged in it. Their experience went far beyond a sculptural contemplation, and they felt it was much closer to a spiritual revelation.

    – That is what I’d like the public to feel. What I want to give is a gift, a good feeling, love, or even a spiritual revelation – no matter which.


    Javier Del Campo, Art Director of CAB













    あなたの仕事の場合、それを構造的にイメージする上で、観る側のイリュージョンまたはビジュアルな認識は非常に重要なことですね・・、それはあなたの、ベネズエラのJesús Rafael Sotoやその他のキネティックアーティストへの傾倒が明らかに示していることだと思いますが・・。

    かなり長い間、私は彼の存在を知りませんでした。というのも、私はどちらかというと、他のアーティストが何をしているかという事をたくさん見るのを好みません。彼(Jesús Rafael Soto)については他の人が話してくれたのです。




    光や、明るさ、また無形的な現象は、あなたの作品が紹介される際、繰り返し使われている言葉だと思いますが、実際のところあなた自身はどう見ていらっしゃいますか? 作品を通して何を探り出そうとされているのでしょうか?



    あなたの作品についてあまり語られることのない一面があって、私にはそれがとても興味深く思えるのですが:対象を持たず、光や色、焦点を合わせて凝視されることで存在する彫刻の構造は、(もちろん)あなたの作品にとって大変重要な意味を持っています。私は(敢えてここで)主にゲオメトリックな作品(球体とピラミッド)の事を言いたいのですが・・。また、純粋にゲオメトリックな作品に加えて、あなたの仕事には、有機的とも言える全く異なった作品(「Ocillation of Space



    C A Bの展覧会では、3つの異なる作品を初めて同時に展示していますね・・。

    C A Bの建築構造がそれに適していたので、初めて出来たチャンスでした。しかし時期的にもちょうど良いタイミングでした。私は、それを実験として同時に見せることについて考えたかったのです。それらが現在進行形で機能しているかどうか探り出したかったのです。時間を超越しているという気持ちを経験したかったので、そのためには充分に時が経ってからでなければなりませんでした。これは私にとって大変興味深い経験でした。多くのことを学んだと思います。



    空間は常に大変に重要な要素です。おそらく最も重要です。私は、「Kunst im Bau」のプロジェクトのために本当に様々な空間について考察してきましたが、どこであろうと実際に出かけて行きます。建築については始終考えています。ですから実践的経験は豊富にあります。常に初めて訪れる場所は未知の空間で、私は即座に、その場に何が適しているかという思考を回らし始めます。これは大変面白い。私が初めてC A Bの間取り図を見た時、三重構造の建築を考慮する必要がある事を直感しました。そしてC A Bを訪れてそれを確信しました。私は常に空間に適応して仕事をします。ですからどこか他の場所でインスタレーションした作品を、どのように異なって行うか、どのような変更があるかということを(前もって)言葉で伝えることはできません。それは建築と空間に完全に作用されるものなのです。



    下調べというよりは、むしろチャンスを狙い、それをつかんでさらに押し進めます。それは、仕事の最中でも、何かのプロジェクトに専念している時でも、また日常の生活の中でも起こります。例えば、全く別の目的でシリコンオイルを注いでいる最中に、それが何か別の可能性を秘めているのに気づき、「Liquid Column」という作品を作りました。また、例えば、長いステンレススチールのワイヤーを運んでいる時、それは何か他のことを暗示していると気がつきました。それらがたわむ性質を発見し、「Waterfall」や「 Wave」という作品に発展していきました。私は注意深い観察を通して、彫刻としての可能性を引き出しています。殆どの人々にとってはありふれた当たり前の状況でも、物を見て、物の中に何かを探している私にとっては、それが全て興味深い対象になるということです。


    あなたは何らかのデジタルを使って構造図面を描く事がありますか?コンピュータープログラムを使って、マテリアルのレイアウトを作るようなことをするのですか?例えば絶対的に精密な正確さを必要とされるような「Yewllow Pyramid」の仕事のように。実際物理的にはどのように構築されるのですか?

    私のアートにおいてデジタルツールは一切使用していません。全て計算し、測定し、手作業で制作します。純粋なハンドワークです。最近ではもちろん「Kunst am Bau」のコンテストなどには、建築家用の3Dのコンピュータプログラムを使ったりもしますが、それは建物のなかに設置される状態をビジュアル化するためにだけです。それは優秀なプログラムで、大変現実に近く見せてくれます。しかし、デジタルツールを使用するのはその時だけです。


    C A Bの展覧会では、3つのメインの作品に加えて、小さなスペースに1991年のスプーンの作品を再現していますが、あれまるで聖なる場所に輝くオイルランプのようです。でもあなたにとってあのスプーンは別の意味を持っているのでしょうね?

    まぁ、そうですね。私にとってはいろいろな意味を持っています。カトラリーが人間の使う道具を代表しているという点で、おそらく、どちらかというと(あなたの仰ることとは)反対の意味を持っているかもしれません。私たちは自分自身に食べ物を与えるためにそれらを使います。食べると言う行為は一種の破壊を伴います。それは、あるものを破壊し、別のものを再生したり、もしくはそれを維持したりします。対比的に「取る」と「与える」を意味しています。しかし私がここで最も重点を置いているのは、スプーンというものが人間にとって「持ち帰ること」、「取り去ること」、「何かから取ること」のシンボルだということです。ですから私はそれらを美しいシェープを持つ非常に「積極的な」物体として作品に使用しています。C A Bにインスタレーションされている現在の作品は、過去にやったことがあるもので、カテドラルの前ではありませんが、森の中で、木にフォークを刺して造る作品のアイデアもありました。でも、あなたが仰ったこと(スプーンの作品についての印象)は面白いですね。


    美しく、また同時に非常に手のかかる組み立て作業の過程で、私たちは、秩序と厳密さがあなたの仕事には絶対的に必要であると理解できました。おそらく、それがその理由だと思うのですが・・「Ocillation of Space
    のように、「秩序」というものが、多様で無作為な表面の物体をひとつの創造的なものに変化させることが出来るという可能性に、私たちは圧倒されました。「Ocillation of Space




    そうです。その感想はよく言われました。特に音楽家の方から。私には聞こえませんが、彼らには聞こえます。特に「 Wave」や「Waterfall」、「Ocillation of Space」といった作品からです。彼らは「ストーン・ミュージック」と呼んでいます。私には、おそらく彼らが聞いていると思われるリズムがわかります。音楽的な演出の場になることも可能だと思います。私の作品が、隠喩という意味で、詩のように感受性豊かに解釈されることは、私にとって大変重要なことです。そうでなければならないのです。しかしもちろんのこと、あなたは私のことを既によくご存じですから、私の詩は言葉でも語りでもなく(笑い)、それは私の作品を通して表現されるということもお分かりになっていると思います。


    あなたは、何か他の芸術的な方法をあなたの作品に関連づけたりしますか? つまり、私がこう言う訳は、「Waterfall」の作品が、殆ど彫刻的素描と言っても良いほど、エレガントで、精密な、隣同士調和する線を持ち、それは現代の素描画における幾つかの技法がもたらす線と非常に一致しているからです。